Práctica Estenopeica

Cámaras

Medidas: 21'5x14'5x9'5cm.

Distancia focal: 9'5cm

Diámetro del estenopo: 0'05

190f

Medidas: 7'5x15cm

Distancia focal: 7'5cm

Diámetro del estenopo: 0'05cm

150f

Fotografías

1.

La fotografía superior está realizada con la cámara cilíndrica de 150f. El negativo muestra la Plaza Cardenal Belluga, con la fachada barroca de la Catedral de Murcia como fondo, unas mesas de un café de la plaza a la derecha y, aproximadamente en el centro de la composición se pueden adivinar las figuras de dos personas abrazadas, muy desenfocadas debido a una exposición extensa. La distancia de la cámara a la Catedral iría de los veinticinco a los treinta y cinco metros.
La fotografía se realizó por la tarde y ya estaba empezando a oscurecer: el cielo estaba cubierto pero había aún luz suficiente. La medición de la luz con una cámara con fotómetro fue: 1/90s - f/5'6 - 100 ASA. Calculé la exposición para la cámara estenopeica: el resultado daba cuatro minutos y medio aproximadamente. Decidí dejar la cámara más tiempo porque me pareció poco y pensé que una exposición de entre seis y cinco minutos quedaría bien, finalmente lo dejé en cinco y medio y este fué el resultado. A causa de la forma cilíndrica de la cámara, la imagen está deformada por los laterales, también la parte inferior quedó demasiado clara en el negativo, sin embargo se pueden apreciar muchos de los detalles de la fachada.

La tira de prueba, que va de los dos a los dieciocho segundos. Para el positivado se optó por los catorce segundos.

Resultado final.

2.

Esta fotografía se hizo con la cámara de 190f, y se realizó en un lateral de la facultad de Bellas Artes a unas escaleras que daban a una puerta de entrada. La distancia de la cámara a la escaleras era de diez metros aproximadamente.
Esta fotografía, al igual que la anterior también se realizó por la tarde con el cielo cubierto y medí la exposición con una cámara con fotómetro: 1/90s - f/5'6 - 100 ASA. Calculé la exposición para la estenopeica: 256s - f/190 - 6ASA. Así que el tiempo era poco más de cuatro minutos, y finalmente la dejé con cuatro. Al dejarla menos tiempo la imagen ha adquirido estos contrastes.

La tira de prueba que va de los dos a los dieciseis segundos. El positivado se hizo con catorce segundos.


Resultado final.

3.

La fotografía se realizó con la cámara de 190f en un espacio interior a unas macetas con plantas, iluminadas por dos focos de luz artificial. La distancia de la cámara a las macetas iba de un metro a un metro y medio. Al encontrarse el objeto fotografiado en un interior, el tiempo de exposición debería ser mayor, aunque por la proximidad de los focos se dió como resultado una exposición aproximada de cinco minutos. El resultado no fué muy satisfactorio, quizás debería haber permanecido uno o dos minutos más.

La tira de prueba, que va de los dos a los diez segundos. El positivado se hizo con ocho segundos.

Resultado final.

Brasaï (Gyula Halàz).

Brassaï es el pseudónimo de Gyula Halász (1899 - 1984), fotógrafo húngaro conocido por su trabajo desarrollado en París, ciudad donde desarrolló su carrera.
Gyula Halász nació el 9 de septiembre de 1899 en Brassó, entonces parte de Hungría, hoy perteneciente a Rumania. A los tres años su familia se trasladó a París durante un año mientras su padre, profesor de literatura, enseñaba en la universidad de La Sorbona. De joven, Gyula Halász estudió pintura y escultura en la Academia de Bellas Artes de Budapest antes de alistarse en el regimiento de caballería de la armada austrohúngara hasta el final de la Primera Guerra Mundial. En 1920 Halász se estableció en Berlín donde trabajó como periodista y estudió en la Academia de Bellas Artes de Berlín-Charlottenburg.
En 1924 se trasladó a París donde vivió por el resto de su vida. Empezó a aprender francés leyendo la obra de Marcel Proust y, viviendo entre los numerosos artistas del barrio de Montparnasse, empezó a trabajar como periodista. Pronto estableció amistad con Henry Miller, Léon-Paul Fargue y el poeta Jacques Prévert.
El trabajo de Gyula Halász y su amor por la ciudad, cuyas calles recorría asiduamente de noche, le llevó a la fotografía. Más tarde escribiría que la fotografía le permitía atrapar la noche de París y la belleza de las calles y jardines, bajo la lluvia y la niebla. Usando el nombre de su lugar de nacimiento, Gyula Halász se hizo conocer con el pseudónimo de "Brassaï", que significa "de Brassó". Brassaï capturó la esencia de la ciudad en sus fotografías, publicando su primer libro fotográfico en 1933. Sus esfuerzos tuvieron gran éxito, siendo llamado "El ojo de París" en un ensayo por su amigo Henry Miller. Además de fotos del lado sórdido de París, también produjo escenas de la vida social de la ciudad, sus intelectuales, su ballet y grandes óperas. Fotografió a muchos de sus amigos artistas, incluidos Salvador Dalí, Pablo Picasso, Henri Matisse, Alberto Giacometti y a muchos de los prominentes escritores de la época como Jean Genet y Henri Michaux.

En 1956, su película Tant qu'il aura des bêtes ganó el premio a la película más original en el Festival de Cannes y el 1978 ganó el Gran Premio Nacional de la Fotografía de París.
Considerado por muchos como uno de los grandes fotógrafos del siglo XX, Gyula Halász murió el 8 de julio de 1984 en Eze, Alpes-Maritimes, al sur de Francia y fue enterrado en el cementerio de Montparnasse de París.
En 2000, una exposición de 450 de sus obras fue organizada con la ayuda de su viuda, Gilberte, en el centro Georges Pompidou de París.

Martin Parr

Martin Parr (1952 Epsom, Surrey, Reino Unido) es un fotógrafo británico. Su interés por la fotografía fue alentado desde niño por su abuelo, George Parr, un fotógrafo aficionado. Parr estudió fotografía en la Escuela Politécnica de Manchester de 1970 a 1973. A principios de los ochenta, su trabajo reflejaba el estilo de vida de la gente corriente en Gran Bretaña, reflejando el deterioro social y los problemas de la clase trabajadora durante el gobierno de Margaret Thatcher. El sentido del humor es muy importante en su obra. Para Parr, es el modo de salvarse del ridículo y la decadencia en nuestra vida diaria. La banalidad, el aburrimiento y la falta de sentido de la vida moderna es plasmada en trabajos como "Parejas aburridas" y "Sentido Común". Es miembro de la Agencia Magnum desde 1994. En 2004 fue nombrado profesor de fotografía en la Universidad de Gales. En 2006 recibe el premio Erich Salomon. En 2008 recibe el Premio PHotoEspaña Baume et Mercier
Para unos es un genio que ha logrado documentar las mil caras de nuestro tiempo, mientras que para otros sólo es un hábil retratista del lado más grasiento y grotesco de la sociedad actual. En cualquier caso, Martin Parr es un fotógrafo que no deja indiferente y mucho menos en su país, Reino Unido, donde en el último mes se han inaugurado dos exposiciones en torno a su obra y donde la crítica sigue dividida entre si lo suyo es genialidad documental o vulgar brocha gorda.
Mientras Parrworld (inaugurada en el Gateshead Baltic Center of Contemporary Art) reúne su último proyecto, Luxury, en el que el fotógrafo ha invertido cuatro años de trabajo enfocando los chirriantes detalles de los rincones más opulentos del planeta, Parrbooks (que se inaugura esta semana en la Rocket Gallery de Londres) está dedicada a sus libros, que conforman una extensa bibliografía que arranca de 1974 para cerrase este año con la citada Luxury.
Desde una presentación de joyas en Dubai en la que todo es de un color rosa chicle o las aceleradas bambalinas de un desfile de moda en Moscú, Parr ha pasado de las playas con olor a aceite de coco del turismo de masas a los salones del consumo más caro y aberrante. Miembro de Magnum desde 1994, el fotógrafo dispara cuando se le pregunta por una lectura ideológica de ese zoológico de colores ácidos. "Yo no juzgo con mi cámara, no busco lo que está bien y lo que está mal, eso es algo que dejo al espectador", afirma.

Para Parr, la fotografía todavía es en Reino Unido un arte considerado menor. "Desde luego no es el caso de España o Francia, aunque poco a poco la cosa va cambiando. La fotografía es un arte muy flexible y democrático, cada uno puede inventarse a sí mismo, eso es precisamente lo que más me gusta de ella, aunque quizá eso es lo que despierta más sospechas contra ella".

Stephen Shore

Stephen Shore estuvo interesado en la fotografía desde muy joven. Autodidacta, cuando tenía seis años su tío le regaló un cuarto oscuro de revelado. Empezó a usar una cámara de 35mm tres años más tarde para tomar sus primeras fotografías en color. Cuando tenía diez años le regalaron una copia del libro American Photographs de Walker Evans, que le influenció profundamente. Su carrera profesional empezó a la edad de catorce años cuando presentó sus fotografías a Edward Steichen, por entonces encargado de fotografía del Museum of Modern Art de New York (MoMa). Steichen que supo reconocer el talento de Shore adquirió tres de sus trabajos. Cuando tenía diecisiete años conoció a Andy Warhol y empezó a frecuentar su estudio, la Factoría, para fotografiar a Warhol y el entorno creativo que le rodeaba. En 1971, con 24 años, Shore fue el segundo fotógrafo en vida que expuso su obra en el Museo Metropolitano de Arte de New York.
Shore se embarcó en una serie de viajes a la América rural tomando fotografías de paisajes. En 1972 realizó un viaje desde Manhattan a Amarillo, Texas, que despertó su interés por la fotografía en color. Observando las calles y pueblos por los que viajaba tuvo la idea de fotografiarlos en color, primero usando una cámara de 35mm y luego una cámara de 4x5" y finalmente una de 8x10". En 1974 obtuvo una beca NEA, seguido en 1975 de una beca Guggenheim y en 1976 expuso su trabajo en color en el Museum of Modern Art de New York (MOMA).
Su libro Uncommon Places, de 1982, fue una especie de biblia para los nuevos fotógrafos que usaban el color, porque junto con William Eggleston, su trabajo probó que que la fotografía en color, como la pintura o la fotografía en blanco y negro, podía ser considerada un tipo de arte. Muchos artistas posteriores, como Nan Goldin, Andreas Gursky, Martin Parr, Joel Sternfeld y Tomas Struth, han reconocido estar influenciados por su trabajo.
Actualmente y desde 1982, Shore es el director del de fotografía del Bard College, en Massachusetts.

Bruce Nauman

Artista multimedia estadounidense, cuyas esculturas, vídeos, obra gráfica y performances han ayudado a diversificar y extender la escultura a partir de la década de 1960. Sus inquietantes obras de arte hacen hincapié en la naturaleza conceptual del arte y del proceso de creación. Nació en Fort Wayne, Indiana. En 1960 ingresó en la Universidad de Wisconsin en Madison, donde estudió matemáticas, física y arte, y leyó las obras del filósofo austriaco Ludwig Wittgenstein, cuyos escritos sobre la importancia del lenguaje en la formación de la percepción ejercerían en él una profunda influencia. Ya desde sus años de estudiante era ambicioso y muy activo, y colaboró en películas, realizó performances y publicó un libro antes de acabar su doctorado en 1966. Poco después se trasladó a San Francisco. Las primeras exposiciones de su obra tuvieron lugar en California y su fama se extendió rápidamente hacia la costa atlántica del país y Europa. En 1968 hizo su primera exposición individual en la ciudad de Nueva York en la influyente galería Leo Castelli, donde expuso la escultura en cera De la mano a la boca (1967, Museo Hirshhorn, ciudad de Washington) y varias esculturas de neón, como Mi apellido exagerado catorce veces en posición vertical (1967, Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York). Los títulos concretos y descriptivos y las continuas referencias a sí mismo se convirtieron en características de su obra. En 1969 comenzó a exponer en Nueva York junto con un grupo de artistas entre los que estaban Eva Hesse, Richard Serra y Joël Shapiro. En 1972, cuando tenía poco más de 30 años, inauguró una retrospectiva de su obra, Bruce Nauman: Obra de 1965 a 1972, que se expuso en varios museos de Estados Unidos y Europa. Debido a la prioridad que otorga a la idea y al proceso creativo sobre el resultado final, su arte recurre a la utilización de una increíble variedad de materiales, y en especial a su propio cuerpo. Por ejemplo, Posturas pared-suelo, realizada en la Universidad de California en 1968, era una performance en la que giraba el cuerpo adoptando diferentes posturas en el ángulo que formaban la unión de la pared y el suelo. Entre 1994 y 1995, una retrospectiva itinerante de más de 60 obras, desde las más sencillas a las más elaboradas, recorrió los museos más importantes de todo el mundo.

Philip-Lorca diCorcia

Fotógrafo educado en la Universidad de Yale, Philip-Lorca diCorcia ha planteado el acercamiento al mundo de la fotografía de una manera cinematográfica. Antes de decidirse por tomar la instantánea definitiva, el artista realiza un concienzudo análisis de las posibilidades que le ofrecen el lugar y los individuos que lo habitan. Además de por esta minuciosidad, diCorcia es mundialmente conocido como uno de los renovadores de la fotografía callejera al mezclar la luz artificial y la natural de una manera muy selectiva.
Philip-Lorca diCorcia desarrolló un gran interés por la Fotografía en las primeras clases a las que asistió en la Universidad de Hartford, a comienzos de la década de 1970. Un par de años más tarde se matriculó en la School of the Museum of Fine Arts, en Boston, en la que se diplomó en 1975. Tras obtener un año más tarde el certificado de posgrado en la escuela, continuó su formación en la Universidad de Yale, en la que obtuvo el Master of Fine Arts degree in Photography en 1979 y en la que realizó una tesis sobre dos estilos de cinematografía: El mundo oculto frente al mundo cerrado.
Tras su experiencia en Yale, diCorcia continuó fotografiando, a la búsqueda de una aplicación práctica y un empleo; tras un viaje fugaz al mundo cinematográfico de Los Ángeles, volvió a Nueva York donde encontró varios trabajos como asistente de fotógrafos profesionales, de los que aprendió el uso de varias técnicas utilizadas en la fotografía publicitaria.
Hacia 1984, diCorcia comenzó a desarrollar su trabajo como fotógrafo independiente para Fortune, Esquire y algunas publicaciones de viajes de Condé Nast. Cinco años después The National Endowments for the Arts (NEA) concedió a diCorcia la categoría de artista colaborador. En este tiempo, y debido a los ataques que sufrió la NEA por parte de la crítica por exhibir los desnudos de Robert Maplethorpe, diCorcia tuvo que firmar un contrato por el cual se comprometía a no realizar ninguna fotografía obscena.
Más tarde viajó a Los Ángeles junto a un asistente a la búsqueda de localizaciones para sus fotografías. En aquella época visitó con frecuencia el bulevar de Santa Mónica, donde retrató tipos cuyas vidas se encontraban al límite, como estafadores, prostitutas y perdedores.
Desde un principio, además de Estados Unidos, diCorcia ha escogido Europa para realizar varias muestras individuales. Ha expuesto en los últimos años, entre otros lugares, en Milán, Hannover, Londres, París, Bruselas, Colonia, etc